39. El fotomontaje (1ª parte)

El fotógrafo inglés Henry Peach Robinson  (1830–1901) está considerado como el primer fotógrafo que utilizó la técnica del fotomontaje, poco después de haber comenzado su carrera, en 1857 Quizá su obra más conocida sea “el último suspiro”.

En ella una joven agoniza mientras la atribulada familia (padre, madre y hermana) la acompañan en estos últimos momentos.

Para realizar la obra final, Peach Robinson ejecutó una serie de negativos que luego unió.

También lo utilizó Gustave Le Gray en su célebre obra “la ola”.

Las dificultades técnicas de la época , hacían que una exposición general oscureciera el mar, o dejase excesivamente claro el cielo. Es por ello que el artista hizo dos exposiciones diferentes sobre el mismo papel. Una para la parte superior (cielo y nubes) y otra para  la mitad inferior ( mar y rocas). La conjunción de las mismas, y la gran maestría del autor, hicieron el resto.

Oscar Gustavo Rejlander fue otro de los maestros de la técnica. Su obra “los dos caminos de la vida” es quizá la más conocida. Para realizarla utilizó 32 negativos diferentes ensamblados convenientemente.

En estos albores de la historia de la fotografía, se usó la técnica del fotomontaje para entre otras cosas contactar con el “más allá”, con los espíritus.  Ni que decir tiene que visto desde la perspectiva actual…nos producen estas imágenes más que una sonrisa.

Y sin embargo no veáis como se creía en ello. Hoy sucede algo parecido…

Los usos del fotomontaje hicieron “cabalgar” a Ulisses S.Grant

…o estilizarse a Abraham Lincoln para ganar las elecciones.

Si queréis saber más pincha este interesante enlace

continuará…………

38. Dibujo rostro -lechuga- (3ª parte)

Casi todo lo visto, en especial lo que se refiere a las medidas, es bueno saberlo de la misma manera que conviene tener conocimientos de perspectiva cónica para dibujar un paisaje.

Pero lo más habitual no es dibujar una cara ni de frente ni de perfil.

Para representar-interpretar un rostro en cualquier vista hay que enfrentarse con el mismo talante que el que podemos tener frente al dibujo de una lechuga (ángulos, líneas auxiliares, relación de formas-piezas, huecos, contraste, luz y sombra)

Hemos ido y hemos vuelto. Todo es lo mismo.

      

 

       

 

LIBRO fundamental

“APRENDER A DIBUJAR CON EL LADO DERECHO DEL CEREBRO”

Betty Edwards

 

37. Recreando cuadros famosos

El museo Getty nos anima a recrear cuadros famosos siendo creativos y con lo que quiera que tengamos en casa.

No necesitamos más que el teléfono móvil, buscar tu obra de arte favorita y echarle imaginación, con lo que tengamos en casa.

 A continuación, os dejamos un enlace con algunos resultados, por cierto, muy muy originales:

Enlaces (pincha aquí)

36. Yayoi Kusama desde casa

¡Hola creadores!

¿os acordáis de la instalación que creamos en la fachada el 8 de Marzo inspirándonos en la obra de Yayoi Kusama?

Pues una de sus obras cumbres puede verse por YouTube.

Su “Infinity Mirrored Room – The Souls of Millions of Light Years Away”

es sin duda una de sus obras cumbres y un gran referente del arte contemporáneo. La instalación consiste en una habitación llena de luces LED y espejos que brindan a los visitantes la sensación de estar en un espacio infinito. La misma fue originalmente inaugurada en 2013 y desde entonces ha pasado por salas de museos de diferentes países.

Actualmente, esta obra se encuentra en el museo “The Broad” de Los Ángeles, recinto cerrado debido a la cuarentena por la pandemia del coronavirus (COVID-19). Es por ello que las autoridades de esa institución cultural decidieron proponer una experiencia virtual de Yayoi Kusama por medio de videos de la alucinante sala. El proyecto digital que planea llevar el arte de Kusama a los hogares se titula “Infinite Drone”.

Infinite Drone (pincha aquí)

Infinity Mirrored Room – The Souls of Millions of Light Years Away

Otras habitaciones de Yayoi kusama

 

35. Juan Genovés

El pintor valenciano Juan Genovés ha fallecido durante la madrugada del viernes 15 de mayo de muerte natural en un hospital madrileño a sus 89 años.

El artista fue durante la transición española, el autor de “El abrazo” de 1976 pintura perteneciente a la colección del Museo Reina Sofía en Madrid. Más tarde se convertiría en la escultura “El abrazo” como homenaje a los abogados muertos en Atocha.

Genovés desarrolló una pintura de carácter expresionista y provocadora. En la década de los 70, comenzó a plantear dos temas: el “individuo solo”, resuelto inicialmente como un “collage” en relieve, y la “multitud”, trabajando con tintas planas y estructuras plásticas.

En los años 80 inició un nuevo periodo muy ligado al paisaje urbano, que se ha denominado “Espacios de la soledad”. Los últimos años su obra ha dado un giro hacia la investigación del movimiento estático en la pintura, la multitud se ha convertido en la referencia para hablar del problema de la pintura y el ritmo visual.

Adjunto la entrevista de su última exposición.

Juan Genovés (pincha aquí)

 

34. Figura en el espacio

Uno de los principales retos de la representación más o menos realista, es mantener la coherencia entre los elementos de fondo y figura, crear una coherencia espacial.

En este ejercicio plantearemos primero un “decorado”, pared, asiento…en perspectiva donde situaremos una figura desnuda.

Para dibujar ésta, os propongo contemplar únicamente los volúmenes, “olvidándonos” del esqueleto y que nuestro desnudo sea generoso de carnes (durante una temporada utilicé este truco para disimular carencias de dibujo anatómico).

33. Ejercicio de fotografía

Cuando nació la fotografía, oficialmente allá por el año 1839, se caracterizaba por su capacidad de reproducir la realidad de manera objetiva, o por lo menos eso pretendían. Con el paso del tiempo hemos ido observando que eso poco o nada tiene de cierto y como muestra un botón. Os proponemos el siguiente ejercicio:

Elegid un objeto cotidiano y que tenga un tamaño no demasiado pequeño para poder fotografiarlo y que ocupe todo el encuadre y realizad las siguientes fotografías.

  1. Fotografía objetiva, descriptiva, como si fuera un bodegón para un catálogo y con fondo neutro.
  2. Fotografía del objeto en su contexto.
  3. Fotografía descontextualizada/irónica/sugerente (El trabajo del fotógrafo Chema Madoz podría ser un buen referente).
  4. Fotografía abstracta del mismo objeto.

Para realizar el ejercicio se pueden usar todos los recursos que consideréis necesarios: movimiento, profundidad de campo, iluminación, desenfoque, etc.

Una vez realizado el ejercicio os proponemos reflexionar acerca de cuál de las cuatro fotografías os gusta más y por qué.

**Las fotografías son de la primer época de Chema Madoz e ilustran muy bien la idea de fotografía descontextualizada/irónica/sugerente.

32. Jon Foreman (el arte de la tierra hipnótica)

La mayoría de las veces el arte ha representado la naturaleza en sus lienzos (bodegones, retratos, paisajes… ) Pero a veces el arte pasa a formar parte de la naturaleza misma, el “lienzo” es la propia naturaleza e interactúa con ella de forma reflexiva. Jon Foreman organiza sus espirales de conchas marinas o de piedras sabiendo que la marea los arrastrará todo o que los transeúntes los pisarán. Es el efímero “land art” del artista, hipnótico y fascinante en su precisión, dispuesto en círculos perfectamente concéntricos y composiciones exigentes peinadas en la arena. Sus piezas a gran escala transforman playas y extensiones de bosques en obras de arte que se convierten en puntos de atención inusuales para el espectador.
Con base en Gales, el artista comenzó a crear su trabajo basado en la naturaleza mientras estaba en la universidad. Desde entonces, su arte terrestre ha variado desde esculturas de piedra mínimas hasta mandalas de arena, y cada proyecto tiene su propio motivo fascinante. “Los procesos repetidos siempre son muy terapéuticos y este es un buen ejemplo de eso, perderse en el proceso es una parte importante del land art”, escribió Foreman recientemente en Instagram.

Foreman vive en Pembrokeshire, Gales, donde nunca está lejos de la costa. “Las playas aquí son verdaderamente excepcionales”, explica, “y hay tantas que dudo que haya visitado ni siquiera la mitad de ellas”. Cuando llega a la playa, su plan es pasar cuatro horas (de promedio) construyendo la obra de arte. A menudo, solo tiene una idea parcial de cómo se verá la pieza terminada. “A veces tengo una idea de lo que me gustaría hacer, pero muy raramente lo planeo por completo. Me gusta no saber exactamente cuál será el resultado hasta que esté delante de mí.” Mientras que la idea de trabajar sin un plan podría intimidar a muchos, Foreman encuentra refugio en lo desconocido. Al no tener nociones preconcebidas de lo que creará, es más probable que experimente y desarrolle nuevas facetas de su trabajo.

Al hacer arreglos con piedras, Foreman ha descubierto algunas cualidades inesperadas. Ha notado que la roca, a pesar de su solidez, cambia cuando se agrupa; se vuelve “maleable”, revela Foreman. “Hay tantas maneras de trabajar con la piedra: el color, el tamaño, la forma, el ángulo en el que se coloca, la dirección en la que se orienta; las posibilidades son infinitas. Aunque la piedra no es el único material que utilizo, actualmente es mi favorito, ya que se presta a tantas oportunidades diferentes”.

El land art es efímero por naturaleza, y eventualmente será reclamado por la tierra de la que procede. “A menudo se convierte en una carrera a medida que las olas se acercan”, dice Foreman. “Intento quedarme para ver la obra borrarse y capturar el momento del impacto”. Podría ser un momento triste, pero Foreman elige ver la corta vida de su trabajo como algo bello.

The Land Artist (pincha aquí)

30. Dibujo del rostro -las medidas- (2ª parte)

 CABEZA DE PERFIL

Sobre este tema he seleccionado dos enlaces de interés: enlace 1 y enlace 2

La línea media horizontal de un cuadrado es el eje donde van los ojos y la parte superior de la oreja.

Sobre la línea que hace el cuarto inferior apoya la nariz y la oreja.

En el octavo inferior colocamos el labio inferior.

La distancia entre ojo y barbilla es la misma que entre ojo y oreja.

Ponlo en práctica.

 

ROSTRO DE FRENTE

El arraigado sistema de símbolos para la cara vista de frente, practicado y memorizado desde la primera infancia es muy fuerte y persistente.

Por eso hemos comenzado por el perfil.

Sobre este tema tienes dos enlaces: enlace 3 y enlace 4

Sobre el eje vertical hacemos una circunferencia y pasamos el radio hacia abajo.

Con ello tenemos la relación ancho2-alto3.

La mitad del alto determina otra línea dividida en cinco partes donde van los ojos (entre ojo y ojo, otro ojo), y la parte alta de las orejas.

Nariz y parte baja de las orejas en el cuarto inferior y en el octavo labio inferior.

La boca puede ser tan ancha como la distancia entre pupilas y la nariz como la distancia entre ojos.

Cuidado con el cuello porque suele ser más ancho de lo que nos parece.

Ponlo en práctica.

Los rasgos entre el rostro masculino y femenino varían en la forma de sus partes pero no tanto en las medidas.

Las ligeras variaciones en esas formas determinan las diversas fisonomías tanto por edad como por raza.

La forma de un cráneo infantil es menos alargada.

Hay estudios que determinan la belleza y equilibrio del rostro con las relaciones de sus medidas mediante la sección áurea.

ROSTRO DE TRES CUARTOS

Dos enlaces de interés: enlace 5 y enlace 6

…continúa

29. Dibujo natural

¿por qué es tan especial esta aula?

En esta escuela tenemos el gran privilegio de contar con el trabajo de nuestros modelos en vivo para poder alcanzar un aprendizaje de estudio y comprensión del cuerpo humano in situ. Algo que no se consigue fácilmente y que da gran importancia y nivel a la Escuela de Artes de Vitoria-Gasteiz.

La modelo parte de una gran experiencia y expone de manera profesional y natural un recurso muy valioso para el aprendizaje del cuerpo del ser humano.

Nuestros alumnos expresan el seguimiento de las clases con sentimientos tales como: “emoción”, “sentimiento”, “satisfacción”, “reto”, “naturaleza”, “aprendizaje”, “tensión”, …. y a lo largo del curso van adquiriendo destreza y habilidad, mientras progresan en su estilo personal.

La interacción modelo-alumno llega a un estado de armonía inexpresable.

En definitiva, es una clase que “engancha” a seguir año tras año, un espacio donde el artista-alumno se evade y penetra en un momento de concentración y en un estado de armonía muy especial, donde hay retos, logros y dificultades a la hora de enfrentarse al modelo, que a la vez de bello, está vivo y latente.

PLANTEAMIENTO

Una de las dificultades que se presentan a la hora de dibujar la figura humana es encajarla en su totalidad y en proporción.

Pongamos un ejemplo:

Hay algunos recursos para aprender a mirar, a observar y a identificar cómo plasmar esto artísticamente.

Uno de ellos es la observación de la figura mediante formas geométricas generales que capten la visión global.

Una vez hecho esto, educar la vista para calcular los espacios vacíos nos ayuda a obtener más recursos para una mejora en el encaje.

Ya tenemos la base del encaje. Por supuesto, el acabado que cada uno le dé se irá consiguiendo a base de práctica y en fases posteriores.

Estudio de proporciones, anatomía ósea y muscular para obtener volumen, sombras y luces, color, etc….